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1、毕加索当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家,对绘画的解放,对形式的打破,他与马蒂斯一样,是真正的大师。毕加索自然不会是一出生就探索“立体主义”的。他说过这样一句话:十三岁的时候,就能画的像拉斐尔,但到70岁时,才能画得像个孩子。毕加索的创作生涯也是在不断地探索,或者用他自己的画来说,是在发现。从具有哥特风格的格列柯风格,到古典风格,再到印象主义、后印象主义,尤其是塞尚的影响,最终在变化和融汇中,形成了自己独特的艺术风格。这种风格的关键因素,即是如何处理画面空间的问题。我们来简单梳理一下艺术史上绘画空间表现的变革。记得张公子在回答中提到过,早期的西方艺术和东方艺术一样,看起来都不那么写实,原因
2、在于不重视透视与光影。而西方绘画是如何改变的呢?1413年,布鲁内莱斯基进行了透视法实验。1425年,马萨乔的圣三位一体是较早运用透视法的范例。那么毕加索的立体主义,到底对画面空间做出了哪些探索?先看一下美术史上给毕加索创作进行的分期:蓝色时期(1901-1904)因为贫穷,生活拮据。画面主调为蓝色,基调忧伤。如作品:生命悲剧女人和乌鸦玫瑰红时期(1905-1906)这一时期有人认为是他生活好转,作品售出,受到认可,心情变好。也有人认为是当时他经常出入于马戏团,马戏团内部就是这样的艳丽装潢。母与子马戏团的一家人-综合的立体主义(1912-1914)采用collage,拼贴手法。把一些文字、字母
3、放进去。因为一味的碎散物象会脱离现实,于是将现实中的东西放进去。作品比如吉他。这时已经走到了抽象的边缘。(真正迈出抽象一步的是康定斯基)-而事实上,毕加索一直活到1973年,基本跨越了整个20世纪的美术探索,这也是他影响极其深远的原因之一。其实很容易发现,成熟时期毕加索作品的特点:物象是几何体,进行了概括与抽象画面空间没有了三度空间的效果,没有透视,不再按完美的人体比例。甚至,视点是游移不确定的。其实这些特点在塞尚的作品中也有体现,但毕加索将其创新并发挥到了极致。分析的立体主义(1907-1911)与勃拉克的接触,受塞尚的影响,已经基本探索出自己独特的风格。最饱受争议的作品亚维农少女。你很难认
4、为这就是美的,但他的确做出了前无古人的探索与尝试,实为与文艺复兴后奠定的写实主义传统的彻底割裂。我指的不是人们常说起的他的蓝色时期、玫瑰色时期、立体主义,也不是他的超现实主义的作品虽然我这些也喜欢而是他晚年创作的人们讳莫如深的那些画。 一是他所用的线条,或曲或直,勾出的形状或笨大或小巧,都异常传神生动。有时我用手指描着它,总是惊奇于它的疏密繁简所形成的节奏感:紧张而舒展。紧张,“象带了电一样”,在线条的凹陷埋藏着激情的炸药;舒展,天真而流畅,携带着童话般的幻想,象鸟儿一样出自本能地飞翔。我想起来一本关于他的传记里说他从小画素描就不用橡皮,以此锻炼自己所画线条的准确与流畅。又想到一位画国画的朋友
5、告诉我,大师的画(他指中国画)无论用墨多少,都给人以一种明净、气韵流动之感,笔法无论粗细也都圆熟流畅,而一般人的作品则粗糙、呆板。或许一切造型艺术的最高境界都是简约而如同活的一般生动吧。 二是坦白,画家对于自己对画中人、画中的男性对女性、女性对男性以及同性之间的性心理都有入微的洞察与毫不矫揉造作的表现。少女们象春天蔷薇初发的张望着的枝,情欲极度坦白的妇女们象炽热的正午,情景或随着描绘她们的线条的明净弯曲而显得轻柔妩媚,或随着线条的短促僵硬而显得执着激烈。有位诗人说:“真正的神秘,是在光天化日之下,将一切都敞开于你面前,你仍然不知道她的美来自何处。”毕加索笔下的这些纤毫毕露的人们就给人以这样的神
6、秘感。他们没有拘束的向着欲望深处窥探的目光,反倒使这些色情画面都流露出一片稚拙的天真。 以往最打动我的是颜色及其所表达的情绪的隐晦、模糊、曲折,这些画却有着迥然相异的明朗形象的生动和敞开的坦然。幸而我看到了它们,才得以矫正消除以前所喜欢的东西给我心理上带来的沉闷与低缓的影响。 或许有人会说,顺着自己的天性发展最好了,何必让自己受别人的影响而改变。但我愿意被不同的颜色、交错的线条分割得支离破碎,然后,再被哪一双偶然伸过来的手拼贴成一幅含义不明的画。 让我变成那样一幅画吧。 梵高的耳朵世界上十幅最贵的画,文森特凡高占了两幅。思想的贫弱会带来局限,天才与貌似天才都由历史,时间来回答。我和大部分人一样
7、,凭着对凡高有限的理解,来解读这颗艺术王国的恒星。剥开又病又疯的表像背后,看到孤绝的灵魂。 在凡高形形色色的自画像中,那幅包了纱布的自画像是最有名的。他画人是为了探究人,他画自己也是为了探究自己。在画中,他那怪异的眼神,永远睁得大大的眼睛,对于每一个看画者来说,变成了一种挑战,一种是否敢于正视自已、敢于向别人敞开心扉的挑战。人是万物的灵长,无好无坏,最真实的爱才能描绘出生命最本真的一面。凡高的疯病是上帝的赏赐,是身体对灵魂的某种嘲笑,它告诉这些燃烧生命的天才,人是脆弱的生物,情感的湿润和观察的尖锐,困顿的生活与强烈的爱情都会摧毁有限的肉体,神经。 凡高的自画像拍出天价,另一幅天价作品是他在18
8、90年创作的加歇医生的肖像,在1990年以8250万美元的价格售出。凡高如果生前知道他的画在日后每幅拍出几千万美元,他会惊呆的。凡高活着的时候,凡高书信集共650多封,凡高写给提奥的书信,是我们了解凡高的最重要的资料。他除了向弟弟直言他在艺术上的感悟与进度外,提的最多是希望弟弟寄钱。他写给弟弟提奥的信里说:“不要评论,不要说这是说教,我只是想象着燃烧的向日葵,焦糊的味道,噼啪的响声,远自两个世纪以前,烧至现在,灼伤我眼。”像烈火一样熊熊燃烧的火焰的向日葵近了就能闻到灼伤肌肤后的味道。 靠弟弟周济着过日子。津津乐道凡高的私生活的很多,但对凡高的精神世界与画法,人们并不一定全懂。在凡高之前的欧洲画
9、派,以庄严肃穆的写实风格为主,此类画派的高手如提香,绘画内容以宗教故事为主。画风绝不出格,正派。而凡高刚开始学画,也是以此类画派为主,但他最大的突破是开创了具有划时代意义的“印像派”。 印像派把对自然清新生动的感观放到了首位。通过认真观察沐浴在光线中的自然景色,寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用,以看似随意实则准确地抓住对象的迅捷手法,把变幻不居的光色效果记录在画布上,留下瞬间的永恒图像。印像派与哲学流派的胡塞尔现像学派有相通之处,都是以敏感直观的内心感受为主。而好的画家也必然是好的哲学家,凡高在某种意义上类似诗人里的荷尔德林,哲学里的尼采。 在小资人群里,凡高还都是被膜拜的对像,尤其对诗人来
10、说,凡高精神上的癫狂与孤绝和诗人有共通之处。海子就特别喜欢凡高。而写凡高的人太多,如果他知道死后会被这么多人膜拜,温森特凡高,这个粗黑面孔的忧郁男人,一定会吃惊得手足无措。人们津津乐道于他彼时的窘境,他对妓女的热爱,甚至在热病的疯狂中割下耳朵的奇举,如果谁只看到耳朵,就像看庄周只看到一羽蝶翅。他的画生前只卖出一幅,而且也是弟弟提奥出钱叫人替他买下,可怜的自尊心总算没有被彻底击毁。 顾城,凡高自杀的年龄都在37岁。死亡如果是一种姿态,是很容易被模仿的,潜意识里不断加深受难的艰险而信仰处处受阻,神经的脆弱与超级敏感,对人世极度热爱与孤独的袭击,种种,都可以使一个艺术天份很高的人,最终走向殉难者道路
11、。 “凡高不仅是一个绘画艺术的巨匠,也是一个驾驭文字的圣手。对一种具象艺术的透彻感悟,使他洞悉了从另一视角来把握语言文字的抽象性特点。他清楚绘画与文字的边界,所以他能理解语言表达的甘苦和奥秘,在他看来,用语言来描写,也是一种艺术,有时候它会泄露一种沉睡的潜力,就好像一片蓝色中的灰色烟云暗示了灌木丛生的荒地中的一堆野火。”我很羡慕执笔绘画的人,他们天性里对线条的清晰认识很容易达到对文字极流畅的把握,而我对文字的敏锐程度,却无法让自己从容绘画。 人们都知道,他最初画画的时候,素描基础并不好。有人鼓励他说:对一个作品,重要的是他忠实于自己的理想,并且始终如一地坚持下去的品质,而不是他作品优劣。我把这句话牢牢地记住了。一个人永远不可能对任何事物都做到确有把握,你所能做到的就是用勇气与力量去做你认为正确的事。不论你选择哪种途径,总有一天你会把自己内心的一切充分地表达。 受到鼓励的凡高充满热情地作画,勇气一部份来源于清晰的认知,另一部份是不懈的坚持。中国的水墨山水画,空灵,唯美,情景交融,那种美与西方油画的凝重及厚实完全不同。油画是把生命原汁浓重地泼洒,水墨画提炼生命哲理的精魂。在艺术王国,殊途同归,归结起来只有四个字:燃烧生命! 艺术的道路永远是艰苦的探索。而艺术,是良心。“谁能听到良心的呼唤并且服从那是上帝最好的礼物谁就能从呼唤中找到了朋友,永不孤独。”
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